Reprises de soul à la française dans les sixties

 

Dans les années 60, la vague des chanteurs yéyé a fait plein de reprises de standards anglais et américains, surtout du rock et de la pop, mais aussi de la soul (ou du rythme & blues). On y retrouve plein d’adaptations de tous ces hits qu’on peut entendre dans les soirées Northern soul organisées ici et là depuis quelques années (et depuis presque toujours pour ce qui concerne la scène mod). Or ces adaptations s’avèrent parfois excellentes, voir meilleures que les originaux, méritant bien un coup de projecteur, avec un petit tour d’horizon.

A tout hasard, commençons par le plus célèbre d’entre tous, Johnny Hallyday. Il est surtout connu pour ses innombrables reprises de rock and roll ou de ballades comme Le pénitencier (The house of the rising sun), mais il a aussi largement tapé dans la soul, avec bonheur. Citons Les coups, reprise de Up-Tight, du jeune Steevie Wonder (1966), excellent titre du début de carrière de celui-ci, en 1966. La version originale est plus ample, plus groovy, très classe mais avec des arrangements assez doux, pouvant vraiment plaire à un très large public, alors que ceux de Johnny sont plus nerveux et brut de décoffrage. La batterie et la guitare martèlent les temps et les ponctuations de cuivres sont plus violentes, de même que la voix de Johnny, qui parle ici des coups qu’on peut se prendre, au sens propre comme au figuré. A cette époque, sa voix n’est pas encore trop caricaturale et elle dépote idéalement bien !

Autre exemple, en 1968, avec Mal, une reprise de Hush, là encore Johnny parle de ce qui fait mal et ça déménage plus que la version originale, celle de Billy Joe Royal, sortie en 1967 (et composée par Joe South). C’est plus épuré (cette basse !) et plus écorché dans la voix, une version idéale pour les dancefloors. D’autres francophones ont repris ce titre en français dès 1967, au Québec, Les Valentins, traduit en Tu n’es plus une petite fille, mais à côté, on dirait des boyscouts ! Il faut noter aussi que Deep Purple en livrera une version en 1968, dans une veine psyché qui les caractérisaient alors, avant qu’ils ne deviennent un groupe de hard-rock.

Encore une de Johnny qui vaut le détour (parmi plein d’autres) : Aussi dur que du bois, adaptation de Knock on wood, du fameux musicien américain Eddy Floyd. Là on est sur du son Stax, mais avec un morceau assez mid-tempo, que Johnny va malgré tout accélérer un poil. Il n’est pas aussi bluffant que sur les deux reprises précédentes, mais c’est un bon exemple de son travail sur l’album 67, qui conforte le virage entamé en 66 avec l’album La génération perdue. A noter qu’une ultime version survitaminée parachèvera la postérité de ce morceau avec l’adaptation disco de Knock on wood par Amii Stewart en 1979.

Mais Johnny ne s’est pas contenté de copier des tubes soul ou rythme and blues puisqu’il a aussi réalisé de très bonnes adaptations dans cette couleur musicale, pour des titres qui l’étaient moins au départ. C’est clairement le cas avec Noir c’est noir en 1966, reprise du Black is black, de Los Bravos, un groupe pop espagnol (même si les paroles et les compositeurs initiaux étaient anglais). Si leur succès sonnait déjà assez soul, il parait mollasson par rapport à la version de Johnny qui transcenda l’affaire à grand renforts d’orgue et de section cuivres. Il adapte aussi un excellent titre des Beatles, Got to get you into my life, dans une couleur plus soul que l’original : Je veux te graver dans ma vie, là aussi avec plein de cuivres et une performance vocale digne des meilleurs performers noirs américains !

C’est un peu la même histoire avec son vieux complice de toujours, Eddy Mitchell. Lui aussi va beaucoup s’abreuver à la source de la soul américaine, allant jusqu’à enregistrer aux States en 1967 la moitié de l’album De Londres à Memphis, avec des pointures du genre. Mais par contre, cet album n’est constitué que de titres originaux ! De la même façon, Nino Ferrer a produit d’excellents morceaux très soul (Le téléphon, Les cornichons, etc.), mais ce sont quasiment tous des originaux, donc nous n’en parlerons pas trop ici... Ceci dit, Mitchell a quand même livré des covers de soul, notamment sur Du rock ‘n’roll au rhythm and blues, en 1965 (même si ce dernier est plus proche du rock que de la soul) et sur Sept colts pour Schmoll (1968), dont nous citerons à titre d’exemple l’excellent Quelqu’un a dû changer la serrure de ma porte, adaptation de But it’s alright de J.J. Jackson, un super morceau.

Pour rester dans l’orbite de Johnny, passons à sa chère et tendre de l’époque, l’attachante Sylvie Vartan. J’ai un gros faible pour elle et pour sa voix telle qu’elle était dans les années soixante, vraiment unique et touchante, dans une tessiture assez grave et avec un petit accent particulier (plus tard, ce sera une tout autre histoire). Tout comme Johnny, elle va d’abord enchainer les reprises que son entourage artistique lui soumet, mais au fil des sixties, elle va s’orienter vers un petit paquet de reprises de soul assez remarquable ! Parmi les meilleures, on peut citer Garde moi dans ta poche (1966), adaptation de I can’t help myself, des Four Tops (1965), ou encore Moi, je danse (1967), reprise de It’s the same old song (1965) des mêmes Four Tops. On voit ici que deux ans après sa sortie, leur deuxième album continue d’irriguer les productions de la jeune Sylvie ! Sa version de Moi, je danse est carrément plus rapide et avec un son encore plus Motown que l’original, avec plus d’écho et d’ampleur. 

Citons encore une très bonne reprise de Sylvie : Rescue me de la chanteuse Fontella Bass (1965), sous le titre De ma vie (1966), dans une tonalité plus basse, très réussie, même si les paroles sont assez bateau.

Passons maintenant à un autre incontournable des yéyés, Claude François. Et là, c’est un vrai festival, car la soul, clo-clo, c’est son dada ! Il était très dynamique, voir hyperactif, mais un peu trop conventionnel pour se tourner vers le rock comme Johnny, donc la musique à la façon de James Brown lui permettait de s’exprimer fortement, y compris par la danse, avec aussi une dimension quasi sexuelle, mais tout en restant dans un univers quand même assez clean et grand public. Lui aussi ira taper comme Sylvie chez les Four Tops avec une autre reprise de It’s the same old song, mais sur d’autres paroles : C’est la même chanson (tout simplement) et un peu plus tard, en 1971, avec une postérité bien plus forte (les arrangements sonnent un peu plus variété, par contre).

Sur d’autres reprises, il force plus le trait, avec des versions carrément plus nerveuses que les originales. Dans le genre, Reste (1968) constitue un chef d’œuvre de punchitude.  C’est une reprise de Beggin’, des Four Seasons (1967). L’original est très groovy mais plutôt retenu et un peu dramatique. Une reprise assez connue et plus rock est celle des anglais de Timebox (1968), très classe mais encore relativement sage. Celle de Clo-clo, c’est tout à bloc : batterie martelée et doublée sur tous les temps par un tambourin, bongos, cuivres, violons, chœurs, break d’orgue puis de percussions et de basse endiablée... Le tout pour servir sa voix à la fois suppliante mais comme toujours énervée. Grandiloquence pré-disco assez hallucinante – mais heureusement avec un excellent son pur soul sixties !

Autre reprise plus connue, J’attendrai, est une adaption dès 1966 du tube Reach out (I’ll be there) des Four Tops (encore eux !). Belle réussite, même si elle reste moins surprenante. Et pour finir, une autre qui m’est chère, la magnifique reprise de Baby Ineed your loving, des... Four Tops (toujours eux !) Ici, Claude se fait un peu moins hargneux mais très concerné, on sent qu’il avait à cœur d’en faire une grande version, Car... tout le monde a besoin d’amour ! Comme pour Sylvie, les Four Tops auront irradié jusqu’en 1967, date de cette reprise française de leur tube de 1964 (dans la production pléthorique des sixties, 3 ans, c’est une éternité).

Derrière ces monuments de la vague yéyé française, il y a bien sûr des dizaines d’autres artistes qui ne sont pas en reste de faits d’armes et d’expérimentations variées. On peut commencer par Dick Rivers, éternel challenger de deuxième rang, qui n’a jamais vraiment crevé le plafond mais a toujours réussi à conserver une certaine renommée. Malgré une image assez ringardisée, il reste à redécouvrir, notamment avec de bonnes reprises de rock (notamment des Beatles), mais aussi de soul. Citons par exemple Mr. Pitiful, d’Otis Redding, même titre, en 1966, bonne version assez percutante. Et encore mieux, Prend ma place est une reprise efficace de Keep on running du Spencer Davies Group (même année), même s’il faut peut-être faire preuve d’indulgence pour ses paroles et son léger accent caractéristique.

Passons maintenant à un groupe de rock (de Reims, c’est rare), Les Lionceaux. Ceux-ci ont fait une courte mais belle carrière de 1963 à 1965, terminant en beauté avec un EP qui contient SLC jerk (un générique pour Salut les copains) mais surtout Mon obsession me poursuit, une excellente adaptation (texte, chant, musique) de Nowhere ton run, de Martha and the Vandellas, l’une des meilleures compos de soul de tous les temps.

Un morceau étonnant à découvrir est la reprise de Soul time, de Shirley Ellis (1967) par Nicoletta, sous le titre Vis ta vie. On ne le sait pas forcément mais Nicoletta a commencé par chanter beaucoup de soul à ses débuts, genre à laquelle sa voix puissante convenait bien. Je ne suis pas fan des chanteuses à voix, mais avec elle, ça le fait. Sa version de Soul time est très claquante, déterminée et ressemble même à un petit manifeste pré-féministe (« Vis ta vie et laisse-moi ma vie... »). Il faut citer aussi la cover anglaise de Madeline Bell qui est sortie fin 67 et qui est encore meilleure que la version originale de Shirley Ellis.

Autre chanteuse plus obscure, Maya Casabianca était une « concurrente » de Dalida, c’est du moins comme cela que ses producteurs voyaient les choses. D’origine franco-israélienne, elle a beaucoup chanté dans le monde arabe mais a aussi fait carrière en France à la fin des 50’s et au début des 60’s. Sur un EP, elle enregistre en 1960 une très bonne adaptation d’une chanson de Little Anthony and the Imperials, Shimmyshimmy ko ko bop (1959), sous le titre de Chéri chéri je reviens (orchestre et arrangements de Claude Bolling). Encore un excellent morceau américain que son adaptation en français aura contribué à faire découvrir ici.

Autre adaptation d’un morceau bien plus célèbre, celle de Dancing in the streets, de Martha Reeves & The Vandellas est l’œuvre de Richard Anthony, un second couteau mais quand même très connu (comme Dick Rivers) et qui a fait un paquet de chouettes reprises, au fil de sa riche production discographique, avec des succès en dents de scie jusqu’aux années 70. Sur sa reprise, Dans tous les pays (1965), la voix n’est pas ouf (il manque un peu de conviction et de nerf) mais la musique est puissante et tient bien la route... à découvrir.

Et pour finir, un magnifique morceau de la charmante Françoise Deldick. Cette sympathique chanteuse française a fait quelques EP dans les 60’s, qui ne sont pas très rock and roll, mais un immense musicien émigré des Etat Unis lui a offert une superbe version de son hit de 1956 : Love is strange. Il s’agit de Mickey Baker, qui avait enregistré en duo sous le nom de Mickey & Sylvia cette composition de Bo Diddley. Alors qu’il s’agissait d’une ballade rythme and blues d’une facture assez classique (même si attachante), en 1968, Mickey la transforme en une version très soul, beaucoup plus moderne et sophistiquée, bien groovy, avec de superbes arrangements de cuivres et de cordes ! Le tout pour une version très hot, avec des paroles très suggestives, susurrées malicieusement par Françoise, sous le titre de Hum ! Hum ! Un must dans la production française des sixties, pour moi incontournable ! C’est à Sasha Monett que l’on doit sa première exhumation, sur la mythique compilation Swinging mademoiselle (vol. 1, en 1999).

Evidemment, ce panorama est loin d’être exhaustif, d’où l’intérêt de continuer à chercher, à « digger », pour trouver on ne sait pas trop quoi mais sûrement des trésors insoupçonnés…

 

Let's dance !

Standard N°1 : Brazil (Aquarela do Brasil)

 

Brazil, un morceau hyper populaire, tellement qu’on ne sait plus trop quelle est la version de référence, à force de l’avoir toujours entendu ici et là depuis notre enfance, à la radio, à la télé, dans des fêtes, dans des magasins…

Je pensais me souvenir que le film Brazil de Terry Gilliam en donnait une version assez classique, mais non, ce sont plusieurs reprises qu’on y trouve : le thème instrumental, décliné par Mickael Kamen, le compositeur de la BO (1985), une reprise chantée par Kate Bush (pas terrible). Et enfin une chouette version de 1968, par le duo Geoff & Maria Muldaur, qui faisaient du folk-rock aux Etats-Unis. J’ai vu ce film plusieurs fois depuis mon adolescence, alors ça m’a forcément marqué.

Puis j’ai découvert plein d’autres versions au fur à mesure que je me constituais une collection de disques (et que j’en écoutais via la médiathèque). A ce jour, j’en ai listé 15 dans un répertoire que je complète au fil des ans, mais je suis pas sûr de les avoir toutes recensées rien qu’au sein de ma propre collection de disques !

Parmi mes préférées, il y a celle de Xavier Cugat, célèbre musicien cubain. Je suis plutôt habitué à écouter la version figurant sur le double 33t « Grands succès » (1972), version qui a dû être enregistrée à la fin des sixties, alors que je viens de découvrir qu’une première version avait été gravée par lui dès 1943 ! Elle sonne beaucoup plus roots, moins commerciale, mais elle possède moins de basses et est moins dansante. Les deux sont instrumentales (comme presque toutes ses productions). Et il en a aussi enregistré une autre version en 1955...

Mais pour revenir à la source de ce standard, il a été composé au Brésil en 1939, par Ary Barroso, sous le nom de Aquarela do Brasil, avec des paroles en Portugais. Le premier enregistrement (sur 78tours Odeon) est chanté par Fransico Alves, la même année. Très bonne version. Mais la popularité internationale du morceau n’arrivera qu’en 1942, avec sa présence dans un film de Walt Disney, Saludos Amigos, où elle est chantée par Aloysio de Oliveira, avec le texte encore en portugais. La chanson devient un tube et est rapidement adaptée en anglais, sous le nom de Brazil. A partir de là, des tonnes de versions vont être enregistrées (la page Wikipedia en donne une liste de quelques dizaines, mais il en existe sûrement des centaines. Citons celles de Frank Sinatra (1957) ou de Carlos Jobim (1970) pour les interprètes les plus connus… Et il y en a eu jusqu’à nos jours, comme celle de Pink Martini, en 1997, ou d’Arcade Fire en 2005.

Parmi les versions que je possède, certaines me touchent particulièrement, dont deux qui sont très anciennes. Malheureusement je ne les ai que sur CD car a priori elles n’ont existé que sur 78tours, dans les années 40 (rares et sans doute jamais rééditées sur vinyle microsillon). Il y a celle de Félix Valvert, un artiste cubain que j’adore, dont le label Frémeaux a sorti une compile CD en l’an 2000. Elle est instrumentale (contrairement à d’autres de ses morceaux). Très bonne version. L’autre est celle de Léo Marjane, chanteuse française avec une voix assez grave, que je trouve magnétisante. Les paroles sont en français, avec une intonation sur un mode assez tragique, mais avec une orchestration joyeuse et colorée, comme presque toujours dans ce morceau.

Ensuite, il y a pléthore de super versions à citer, sur 45tours, 33tours ou 25cm... Par exemple la très classique mais belle version de Ray Conniff (USA, 1960), dans un style assez easy listening, ou encore celle très bonne de Marcel Azzola et son Ensemble (à l’accordéon) et celle de Terry Snyder & The All Stars, sur la fameuse série Persuasive percussions (vol. 2, sur le label Command) au son cuivré très brillant et clinquant, une autre par Alan Gate, une par Billy Mure (et ses supersonic guitars) ... Mais aussi de plus inattendues, comme celle de Burt Blanca (album Instrumental vol. 12) ou de plus marrantes et improbables, comme celle de Claudy & Marcello, l’inénarrable duo qui a sorti 6 volumes de reprises de tubes dans les années 70, tout en sachant à peine jouer de l’orgue, avec des versions assez simplifiées et parfois même des fausses notes (Spécial orgue vol. 1, sur Valmy).

Et je suppose que je suis loin d’avoir fait le tour du sujet, avec encore plein de versions à découvrir ! Par exemple, la page de Wikipedia cite une version de Paul Anka (1963) et une des Shadows (1965), ainsi que la version de Tav Falco’s Panther Burns (1981) dont on m’a dit qu’il la joue toujours sur scène (il passe assez régulièrement à Paris, faut que j’y aille).

Concernant la structure du morceau, les versions les plus anciennes comportent dans leur introduction plusieurs changements de tonalité, alors que cela a été simplifié au fil du temps, pour aller directement à l’essentiel du thème mélodique principal qui alterne ses deux parties ; c’est le cas Chez Xavier Cugat, par exemple.

En tout cas, c’est un morceau entêtant, réjouissant, émouvant, que tout le monde connaît et à qui chacun peut associer un ou plusieurs souvenirs de sa vie. Le standard par excellence !

 

Brazil, la chanson : https://fr.wikipedia.org/wiki/Aquarela_do_Brasil

Par Francisco Alves : https://www.youtube.com/watch?v=yOqu-zlY7AY

Par Léo Marjane : https://www.youtube.com/watch?v=6r-G4qgjtcs&list=RD6r-G4qgjtcs&start_radio=1

Par Félix Valvert : https://www.youtube.com/watch?v=zZUkkiYT61M&list=RDzZUkkiYT61M&start_radio=1

Par Xavier Cugat : https://www.youtube.com/watch?v=etCKHVJi_TY&list=RDetCKHVJi_TY&start_radio=1

Par Ray Conniff : https://www.youtube.com/watch?v=-icOKtQyLuo&list=RD-icOKtQyLuo&start_radio=1

Par Geoff & Maria : https://www.youtube.com/watch?v=5zz1Cfnh5Zw&list=RD5zz1Cfnh5Zw&start_radio=1

Par Marcel Azzola : https://www.youtube.com/watch?v=anBxFi8ydb0&list=RDanBxFi8ydb0&start_radio=1

Par Tav Falco : https://www.youtube.com/watch?v=lvr1SAIXfkI&list=RDlvr1SAIXfkI&start_radio=1

 

Jacques Helian : Spanish monkiss (Barclay 72 691)

 

L’un de mes premiers 45tours rétro, arrivé dans ma collection vers le début des années 90, un peu par hasard. Je m’étais dit en écoutant ce morceau : hey mais c’est super, en fait ! Le monkiss est sensé être une danse et un style de musique, en fait c’est du rock, comme le twist, le surf ou le jerk. Les noms et les modes se succédaient tous les ans, voire plus vite.

C’est très rythmé, martelé un peu comme une marche, mais avec un mélange bien cliché d’arrangements hispaniques très festifs (olé !). J’aime ces paroles : « On m’avait dit qu’en Espagne, on dansait le flamenco (oh oh oh oh) / Mais, surprise, on ne dansait que le monkiss ! », chantées façon Guy Marchand dans La Passionata.

Les trois autres tires du EP ont peu d’intérêt (Les chinois, Mon porte-bonheur, Comme la lune), mais à cause de ce Spanish monkiss, j’ai passé des années à ramasser ici ou là des Jacques Helian, en espérant retomber sur un autre titre aussi bon et claquant. En fin de compte, il faut bien admettre que la grande majorité de ses productions est très moyenne, même si on trouve des trucs sympathiques de temps en temps, comme le Cha cha cha des thons, La samba fantastique, Por favor, ou encore Lolo… Lola. J’ai gardé 7 EP en tout, mais pour un bon paquet d’autres rejetés à la mer…

La production d’Helian est pléthorique, démarrant sur 78tours à la fin de la guerre de 40 et se poursuivant avec régularité jusqu’à la fin des années 60. Sur Discogs, je n’ai même pas retrouvé trace de mon EP, parmi des dizaines de références ! Mais il y a par contre un autre groupe de chez Barclay qui a enregistré sa version du Spanish monkiss, en 1966, ce sont The Geminis. Je n’ai pas le 45tours mais j’ai le morceau sur une compile 33tours (du genre Surprise party chez machin…). C’est une bonne version aussi, peut-être un peu plus rock, mais moins percutante que celle de l’orchestre d’Helian, avec tous ses chœurs et ses trompettes. En définitive, je ne suis pas sûr de savoir quelle version est l’originale ou la reprise.

En tout cas, ça reste l’un de mes morceaux fétiches, comme le I love kate de Luis Pena (par exemple), pour faire danser et sauter tout le monde au plafond, dans une de ces pures boums qui n’existent malheureusement que dans mon imagination.

Bio de Jacques Helian : https://fr.wikipedia.org/wiki/Jacques_H%C3%A9lian

Le EP de The Geminis : https://www.discogs.com/fr/search?q=spanish+monkiss&type=all

Présentation du Monkiss à Marseille (Archive INA) : https://www.ina.fr/ina-eclaire-actu/video/raf03002795/presentation-du-monkiss-a-marseille

Tranches de vie rock and roll (lectures de décembre 2024)

 

En ce moment les sorties de livres plus ou moins autobiographiques et en lien avec le rock en France se succèdent, à commencer par celle de l’ami Charlie Batalla. Il est un peu plus jeune que moi mais on vient du même coin : Reims et Epernay. Dans La vie est à nous, il raconte une partie de sa vie, des années collège au début de la vie active, en passant par le lycée, les copains et surtout la musique, surtout punk, et tout ce qui tourne autour : concerts, cafés, fanzine, substances euphorisantes diverses et variés… Mais aussi le graphisme, qu’il a étudié et mis à profit pour faire des flyers, affiches ou pochettes de disques, et les voyages, sans filet, à l’aventure à travers quelques coins de France, puis d’Angleterre et du Mexique. C’est direct, sincère et touchant, avec un itinéraire improbable mais sur lequel il fonce sans peur ni calcul, à la découverte de on verra bien quoi… Par ailleurs, ça parle aussi beaucoup de Zabriskie Point, un groupe punk de Nantes dont il était fan et dont les membres deviendront ses amis. Il cite plusieurs extraits de leurs textes qui l’avaient bien marqué ; il faut dire que le chanteur est devenu un écrivain assez connu depuis : François Bégaudeau.

Une autre personnalité assez connue, dans le milieu du rock en tout cas, vient également de sortir un livre : Didier Wampas. Et ça s’appelle Punk ouvrier. C’est pas mal, mais malheureusement, ce n’est pas une autobiographie, c’est plutôt un recueil de ses textes de chansons, sommairement commentées. Il y a quand même des pages de texte, heureusement, pour situer le contexte et c’est ça qui m’a le plus intéressé, déjà parce ce que ses paroles, on les connait, donc ce n’est pas indispensable de les relire et surtout parce que pour moi, les textes ont toujours été secondaires par rapport à la musique. Il faut qu’ils s’accordent à elle pour vraiment trouver leur impact. D’ailleurs Didier Wampas en fait la preuve avec certaines de ses chansons qui sont basées presque uniquement sur des onomatopées, du genre wha wha ouh ! ou yeah yeah ! qui n’ont aucun intérêt sans le phrasé et la musique qui vont avec. J’ai été un grand fan des Wampas, de 1990 à 2000 environ et je les ai souvent vus en concert : ça valait le détour ! Surtout la première fois, à Reims en 1990, avec Marc Police à la guitare (et Ben Sam à la basse : la « vraie » formation), mais même ensuite, ça restait excellent. Donc c’est super de lire un peu leur historique racontée de l’intérieur, mais plus le livre avance, moins il y a de commentaires et puis les albums sont moins bons à partir des années 2000. Mais ce livre vaut le coup quand même, pour toutes les infos sur les débuts du groupe, la scène parisienne rock and roll des années 80 et la vision de Didier Wampas. Et quel bonheur ensuite, que de réécouter Le dernier train pour Pontoise, Surfin love ou Comme un ange qui pleure !

Mais jamais deux sans trois et voilà encore un autre regard sur cette époque, celui d’Yves Calvez, le bassiste des Coronados, autre mythique groupe de rock parisien des années 80. Ses propos sont recueillis par Patrick Scarzello, excellent reporter aujourd’hui basé à Bordeaux mais autrefois à Paris, durant quelques années qu’il évoque un peu ici. Drôle de format, un peu sur le mode discussion de comptoir de bar, mais elle correspond bien au sujet. Calvez balance tout à trac ses souvenirs et sa vision des choses : lui, Bernard Lepesant (le guitariste chanteur) et les autres avaient des idées bien arrêtés sur tout un tas de trucs et c’est intéressant de voir quelles étaient leurs influences, leurs rapports avec les autres groupes, leur mode de fonctionnement… Là non plus, il ne s’agit pas d’une biographie au sens classique du terme, mais cette conversation recèle une part de vérité sûrement bien plus personnelle que ce qu’on peut lire dans des livres de facture plus traditionnelle. Et c’est publié aux excellentes éditions Mono-Tone, du niçois Memphis Mao.

-          La vie est à nous : avec le groupe punk Zabriskie Point / Charlie Batalla (Des gens de l’occident, 2024)

-          Punk ouvrier / Didier Wampas (Harper Collins, 2024)

-          Les Coronados : esthètes, fainéants & sauvages : un mystère du rock français 80’s / Patrick Scarzello ; conversation avec Yves Calvez (Mono-Tone, 2024)

Jean Yanne : Chansons et sketches (Barclay, 2003)

 

Je connaissais Jean Yanne, comme tout le monde, depuis à peu près toujours (j’étais juste assez grand pour voir Deux heures moins le quart avant Jésus Christ à sa sortie au cinéma, en 1982). Sacré personnage, à la fois acteur, metteur en scène, comique, chroniqueur radio et télé… mais aussi chanteur et compositeur.

Les disques de lui qu’on trouve le plus facilement sont ses sketchs (Le permis de conduire, Les routiers…) qui ont dû être très populaires à l’époque, mais qui ne sont pas non plus géniaux (à écouter une fois, ça va). Ensuite, il y a les BO qu’il a composées ou produit, pour ses 7 films en tant que réalisateur, de 1972 à 1984 et qui recèlent quelques perles ici et là (je n’ai d’ailleurs pas encore tout entendu), mais dans l’ensemble, ça sonne assez disco et musique commerciale de cette époque.

Par contre, il y a aussi quelques trucs qu’il a enregistrés avant, dans les années 60. Et là, il y a des chansons vraiment excellentes ! J’avais déjà vu le scopitone de J’aime pas le rock sur Internet ou à la télé, mais c’est seulement quand cette compilation CD est sortie en 2003 que j’ai pu entendre toutes ses œuvres de jeunesse. Et alors, quelle belle claque ça a été ! Ce beau CD cartonné recèle en plus un livret d’une vingtaine de pages, avec textes et photos. Il y a 25 titres, dont 3 sketches à la fin, ce qui fait 22 morceaux de musique, tous chantés par Jean Yanne. Ils sont présentés par ordre chronologique, de 1958 à 1966.

Il a fait un premier EP en 1958, d’où se démarque surtout l’excellent La légende orientale, dans un style cha-cha « oriental », c’est-à-dire incorporant des influences rythmiques et mélodiques de musique arabe ou magrébine (il y en avait pas mal à cette époque, comme le standard Mustapha ou encore plusieurs chansons d’Henri Genès). Bonne musique entrainante et paroles amusantes, sans oublier une belle voix, très chantante et originale, avec une diction très ciselée. J’ai aussi un faible pour La gamberge, dans un style beaucoup plus classique et sérieux, très années 50, sur un rythme de valse, assez touchant, comme a pu l’être parfois Bourvil (Le petit bal perdu) ou encore Gainsbourg a ses débuts (La chanson de Prévert).

Ensuite, Jean Yanne a sorti deux autres EP mais pas sous nom, ce qui complique un peu les recherches discographiques. En 1960, c’est sous le nom incongru de « Honzlagur Pompernickel et sa dame » qu’il sort « Le disque le plus triste de l’année », avec 4 nouvelles chansons bien marrantes, dans un style musical très jazz, cette fois-ci. Mes préférées sont Psychose et Allo… Sasha… ?, cette dernière sonnant déjà assez rock, ce qui annonce la suite.

En 1961, il sort un EP sous le nom de « Johnny 'Rock' Feller et ses 'Rock' Child », et là ça y est : 4 titres de bon rock’n’roll avec un chouette son de guitare électrique et de batterie. Bon, la musique reste encore assez bon enfant, du genre orchestre pour surprise partie, avec du saxo et des chœurs, pas trop déjanté mais dansant et joyeux. Le rock coco est très marrant, avec des cris de perroquets tout du long. Saint-rock est une sorte de délire sur la Marseillaise revue en version twist (« et que le rock abreuve nos microsillons ! »). Autre recyclage au goût du jour twist, la reprise de Je ne suis pas bien portant est une grande réussite. La version originale de Ouvrard date des années 30 et est très drôle mais fort datée dans son style musical. Sa transposition sur un rythme rock fonctionne super bien. Et enfin, l’excellent J’aime pas le rock démarre sur les chapeaux de roues, avec un super riff de guitare bien soutenu par une batterie tonique, une intro qui ferait un sacré bon sample à réutiliser. Et une chanson à énumération avec une scansion géniale de Yanne où son personnage déverse son dégoût du rock sur des rimes en -able (il est intolérable, il est insupportable, il est inqualifiable…) Il faut absolument voir le scopitone, les grimaces rajoutant encore du sel à son assaut !

Signalons aussi que ce disque a déjà été chroniqué par notre cher camarade Pol Dodu sur Vivonzeureux ! https://vivonzeureux.blogspot.com/2016/07/johnny-rock-feller-et-ses-rock-child.html

Après une parenthèse de 3 ans, Jean Yanne sort un nouvel EP en 1964, sous son nom propre. L’eunuque est le premier et le meilleur titre du lot, l’un de mes préférés d’entre tous. C’est son deuxième dans le style cha-cha oriental, mais il est encore mieux que le premier, avec une lead guitare électrique digne de celle de la BO de Ne nous fâchons pas, une super compo musicale et un texte drôle et absurde, très bien foutu, sans oublier un chant à la diction toujours aussi classe ! Sur Mon cher Albert, on a un mélange de rythme déjà quasi jerk avec des arrangements de musique classique : étonnant, deux ans avant le Sergeant Pepper des Beatles et toutes les autres expérimentations qui l’ont accompagné (Stones, Who, Beach Boys, Ekseption, etc., etc.) ! Les deux autres titres sont funs mais très peu pop musicalement.

En 1965, encore un nouvel EP sous son nom, avec un brûlot qui fit son effet en revendiquant la réouverture des maisons closes ! Rouvrez les maisons est un très bon jerk, soutenu par un orgue et des chœurs féminins. Avec un texte polémique typique de Jean Yanne, mi-provocateur, mi-réac, mais très drôle dans sa facture en tout cas. Je m’étais toujours demandé si le refrain se terminait par « Rouvrez-les maisons, qu’on dérouille », ou bien « qu’on verrouille », mais après vérification, c’est bien « qu’on dérouille » que chantent les charmantes choristes ! C’est très limite, pour sûr, surtout vu d’aujourd’hui. Après, c’est là toute l’ambiguïté de Jean Yanne, un type à la fois bourré de talent, drôle, séduisant et respectueux de ses compagnes, mais aussi un type parfois cynique, misanthrope, misogyne et populiste. Surfant sur la « révolution » dans les années 70, sans illusions mais en dénonçant magistralement la publicité et la démagogie du monde politique et économique, puis finissant par devenir plutôt réac, en pilier des Grosses têtes sur la fin de sa vie. Malgré tout, il reste pour moi un artiste marrant et attachant, surtout en tant que chanteur et acteur.

Pour revenir à nos moutons, le meilleur est à venir sur ce EP de 1965, avec Le pauvre blanc, un délire sur l’histoire d’un blanc qui voudrait chanter aussi bien qu’un noir - comprendre ici qu’il voudrait posséder autant de groove qu’un Ray Charles. Cela fait bien sûr penser à l’excellent titre de Nino Ferrer Je voudrais être noir, sorti à peu près à la même époque. Tout Jean Yanne est là, avec une intro façon musique religieuse, suivie par un rythme & blues excellent, et des arrangements kitsch mais top, avec moults chœurs féminins (« Oh, seigneur ! ») et des breaks de batterie, annonçant ses futures BO de films des 70’s ; avec des textes toujours socio-provoc, évoquant les ouvriers de Renault Boulogne-Billancourt ou le « blanco-spiritual » en guise de nouveau style musical. J’ai découvert récemment qu’il y a une vidéo INA de ce morceau, avec même une chorégraphie : excellent !

Et pour finir, on a deux grosses cerises sur le beau gâteau, en 1966 : un EP fait à deux avec son comparse Jacques Martin, parodiant sur 4 titres Les Elucubrations d’Antoine ! Ils chantent deux titres chacun, mais le CD ne contient que ceux de Jean Yanne, qui sont de toute façon clairement les meilleurs (ce 45t est relativement facile et abordable à se procurer, contrairement aux autres cités jusqu’ici). Le premier, Hue donc ou les Emancipations d’Alphonse, est une parodie façon Les Charlots, avec une voix de paysan et des paroles super débiles et drôles. Pour les Charlots comme pour Nino Ferrer ou pour les Beatles, on est en droit de se demander si Yanne a suivi l’air du temps ou s’il ne l’a pas un peu précédé ! Vu que le premier EP des Charlots avec leur première chanson façon paysanne (Je dis n’importe quoi, j’fais tout ce qu’on m’dit) sort lui aussi en 66. Mais la deuxième parodie des Elucubrations est encore meilleure : Les revendications d’Albert, sur le mode militant ouvrier communiste (« Les camarades m’ont dit : laisse-toi pousser les ch’veux, pour l’action syndicale on fait rien de mieux… »). Le tout sur fond d’harmonica et d’orgue, alors que la version d’Alphonse est plutôt sur fond de guitare fuzz ; les deux morceaux sont excellents.

Malheureusement, sa production musicale s’arrête ici, pour ne reprendre qu’au début des années 70, mais s’il avait enregistré en 67/68, on aurait sûrement eu droit à des trucs psychés super barrés au niveau sonore. Plus tard, il restera quelques expérimentations notables à venir, notamment en collaboration avec Michel Magne, mais c’est une autre histoire…

 

Quelques autres informations discographiques :

Les 45tours EP de Jean Yanne sont très rares et coûtent un bras (du genre 100€ l’exemplaire). Ils sont tous sortis sur Barclay sauf ceux sous pseudonymes, qui sont sortis chez Fontana. Et il n’y a pas eu de sortie d’album vinyle regroupant ses chansons des années 50-60 (uniquement un 25cm en public à l’Olympia, de 4 titres (mi-chansons mi-sketchs) en 1958 et un 33tours de sketches, en 1966).

Il aura donc fallu attendre des rééditions en CD, d’abord une dans la collection Master série de Polygram, en 1994. Celle-ci reprend tous les premiers EP, sauf celui de Honzlagur Pompernickel. Il n’y a donc que 18 titres, contrairement à mon CD Chansons et sketches sorti sur Barclay en 2003 (l’année de sa mort) et contenant 22 titres musicaux (+ les 3 sketchs de 1966).

Mais trois autres compilations CD sont parues depuis, dont deux en 2017. Le misanthrope provocateur (EPM Musique) n’offre pas grand intérêt de par sa sélection incomplète, sauf qu’il réédite les 4 titres de 1958 live de l’Olympia (Jean Yanne et son guide chant) et un autre morceau inédit : Allo Brigitte, sorti en 1960 sur Fontana, qui est une collaboration avec Henri Salvador. 

Je pense qu’elle n’a pas été retenue sur les autres compiles car Jean Yanne y fait juste de petites interventions parlées pendant les breaks de ce cha-cha (tout comme Salvador et Gillian Hills). Mais c’est un bon titre, qui a d’ailleurs été réédité sur la compilation Voulez-vous cha cha de Born Bad Records en 2019.

L’autre CD de 2017, Prince de l'humour pince-sans-rire, au vitriol et de l'autodérision, est un double album, de 33 titres en tout, au contenu assez foutraque (avec un titre sympa mais une pochette particulièrement moche), qui fait avant tout la part belle à ses sketchs, dont certains étaient sans doute inédits sur disque, suivis par la plupart des EPs (mais pas tous) et quelques collaborations, dont à nouveau le Allo Brigitte… Mais un ajout très intéressant à noter ici est la présence de la chanteuse Ginette Garcin, avec deux chansons écrites par Jean Yanne : L’absinthe et surtout Cresopraxipropanediol en capsule ; un titre bien drôle et bien rock, qui a été déterré sur quelques rares compilations, dont le volume 10 de la série Girls in the garage (à part ça, 95% de la production musicale de Ginette est constituée de chansons très vieille France). 

Dernier titre intéressant sur ce CD : Scotch cha-cha, qui est la face B de Allo Brigitte, toujours en duo avec Salvador, et avec un peu plus de texte parlé que sur la face A ; bon morceau. Ce 45t n’est pas trop difficile à trouver.

Pour finir, la dernière compile CD est due au label Frémeaux, réputé pour faire des rééditions très complètes et documentées. Je n’ai pas pu l’avoir entre les mains, mais le track listing est assez conséquent, avec 38 titres au total, l’originalité étant que le 2^ème CD est consacré uniquement à des interprètes de chansons de Jean Yanne, dont Philippe Clay, qui semble avoir été le premier interprète de La gamberge, ou encore Line Renaud… Sur le premier CD, on retrouve le 1^er EP de Jean Yanne (La Gamberge) et le 25cm en public (tous les deux de 1958), plus les deux EP sous pseudonyme (le Honzlagur et le Johnny Rock Feller) mais pas les 2 EP de 64 et 65, ni celui avec Jacques Martin parodiant Antoine. Dommage ! Je crois savoir que c’est pour des questions de droits d’auteurs, Frémeaux étalant ses rééditions en fonction du calendrier où les productions artistiques tombent dans le domaine public (ou quelque chose comme ça). Le titre de cette compilation, Jean Yanne et ses interprètes : 1956-1962 nous laisse cependant espérer qu’une deuxième compile pourrait sortir chez Frémeaux d’ici quelques années. Par ailleurs, deux autres productions vintage de Jean Yanne sont révélées ici : 2 titres d’Aladin et ses joyeux lampistes, Loukoum et Mustapha ; pas pu les entendre mais sûrement très bonnes. Ainsi qu’un titre avec Bob Azzam, Le twist est en baisse (1962), mais où une fois de plus, Jean Yann n’intervient que sur des passages parlés.

Dernier coup de rock important à connaître, concernant Jean Yanne : il est l’auteur des textes de deux titres d’Hector (& ses Médiators), légendaire rocker excentrique de Paris, en 1963 : Je vous déteste et T’es pas du quartier (merci à Wikipedia pour ces infos !), excellents titres mais qui ne sont pas pris en compte sur les différentes compilations CD.

PS : Concernant les années de sorties de disques signalées dans cet article, elles sont bonnes à un an près, car le livret de mon CD indique presque toujours une date antérieure d’un an à celles qu’on peut trouver sur les différents sites du genre Discogs.

 

Cliff Richard : Blue turns to grey (Columbia, 1966)

 

Cet été j’ai trouvé sur un vide-grenier quelques 45tours 2-titres de Cliff Richard and The Shadows, dont l’un est particulièrement bien : Blue turns to grey. Une chanson rock très pop, avec une bonne mélodie et une bonne dynamique. J’ai vite vu que je connaissais déjà ce morceau, dans une autre version, mais laquelle ? Peut-être bien en français : une chanteuse sixties, comme Pussy Cat ? Ou bien un enregistrement rare des Beatles (sur une des compiles CD que m’avait prêtées mon copain André) ?

J’ai fini par trouver, en cherchant sur Google avec le titre + « french cover » qu’il s’agissait d’une reprise de Ronnie Bird. Bon sang mais c’est bien sûr ! Le titre français est Ça n’est pas vrai, sur le EP orange et jaune de 1967, qui contient aussi la fabuleuse chanson N’écoute pas ton cœur (je n’ai pas ce collector, bien sûr, mais on retrouve ces morceaux sur la plupart des compiles CD ou LP de Ronnie).

Par contre j’ai aussi découvert que la version originale de ce morceau était l’œuvre des Rolling Stones ! C’était pourtant marqué sur la rondelle (Richard – Jagger) mais je n’y avais pas fait attention. Bizarrement je ne connaissais pas cette version, qui ne figure que sur December’s childrens (décembre 1965) le 5ème album de la discographie US des Stones, différente de leur discographie anglaise. Mais c’est assez logique car j’ai surtout connu les Stones à travers la série française des albums « L’âge d’or des Rolling Stones » et ce titre ne figure pas dessus.

D’après Wikipedia, Blue turns to grey est d’abord sorti des février 1965, interprétée à la fois par Dick and Dee Dee et par The Mighty Avengers, sur ce qui semble être une seule et même version instrumentale. Et les Stones n’en ont enregistré leur propre version qu’en septembre 1965 ! Mais la version la plus populaire va être celle de Cliff Richard, sortie en 1966 et qui cartonnera dans les hit-parades de plusieurs pays (N° 15 en Angleterre). Sa version est beaucoup plus pop que celle des Stones et elle ressemble plutôt à du Beatles. Celles des Stones est une balade plus lente et nostalgique, mais très belle aussi. Elle ne sortira sur le marché anglais qu’en 1971, sur la compilation « Stone Age » !

Et en réécoutant la reprise de Ronnie Bird, on voit très clairement qu’il a repris la version de Cliff Richard, avec ses superbes arrangements façon beatlesiens et non celle des Stones, ce qui est amusant vu qu’il était plutôt dans la mouvance Stones que Beatles. En tout cas sa version est aussi bonne que celle de Cliff, ce sont mes deux versions préférées de ce morceau.

Enfin, j’ai enfin découvert que les Flamin’ Groovies avaient également sorti une reprise de Blue turns to grey, en 1978, sur l’album Now, que je ne connaissais pas. Et pour le coup, celle-ci est clairement dans la lignée de celle des Stones, sans doute encore plus lente et nostalgique. Un choix qui peut surprendre, une fois de plus, vu le culte voué aux Beatles par Chris Wilson et le tournant pop sixties pris à partir de son arrivée dans ce groupe en 1976.

Tout ça nous fait quand même six versions différentes de ce morceau… mais j’en ai trouvé encore deux autres sur Youtube. L’une par un obscur groupe grec en 1967, Stan Oberst with The Loubogg, assez proche de la version Cliff Richard, rien d’exceptionnel. Et une autre plus étonnante, une version orchestrale façon George Martin (avec des chœurs, du cor anglais et du xylophone !) jouée par The Andrew Oldham Orchestra sur l’album The Rolling Stones songbook, sorti dès 1965 (Oldham qui était le manager des Stones).

PS : la face B de ce 45tours de Cliff balance bien aussi, c'est Somebody loses, ça sonne un peu comme du Everly Brothers. 

Edouard DULEU (1909-2001), accordéon

 

C’est un accordéoniste qui a sorti pas mal de disques, dès les années 40 sur 78tours, puis sur microsillons dans les années 50 et 60 et 70. Ce n’est pas extraordinaire mais il y a plusieurs morceaux bien sympathiques ; j’ai quelques EP de lui.

Il a fait une belle version du standard Love in Portofino (A San Christina), boléro, sur 45t Philips (Danse-accordéon 45 N° 2 « Bon pour la danse »). Belle pochette, avec une bande de boutons jaunes sur fond vert.

Sur le EP N° 18, Protégez-moi seigneur, tout est bon : la chanson titre (Poderoso senor) extraite de la BO du film « Le goût de la violence » est un boléro assez sympa. La reprise de Navarone est marrante (bon, ça reste une marche, qui ne vaut pas la version ska des Specials, bien sûr). Ma préférence va aux deux valses, qui ont de très belles mélodies : Il y a des musiques et Si, mon amour (Sommer in palma).

Sur le EP N°8, encore des musiques extraites de films mais pas évident de bien comprendre quel morceau est tiré de quoi. Port-aux-Prince est un mambo que j’aime bien, j’en connais d’autres versions. D’après la pochette, il viendrait d’un film titré « La fête aux chapeaux » mais d’après ce que je sais, c’est simplement une chanson de Gloria Lasso, dont le titre est La fête aux chapeaux, mais dont certaines reprises portent le nom de Port-aux-Prince. En face B, ce sont des morceaux du film L’Auberge fleurie (aussi appelé L’Auberge en folie – 1957), dont un chouette boléro : Partout. Par contre, la valse Que sera sera, qui ouvre le EP et lui donne son titre, est assez gnangnan ; elle est extraite du film L’homme qui en savait trop.

Sur le EP N°4, un titre remarquable : une reprise de Mambo italiano. Ce n’est pas la meilleure (voir pour ça Marino Marini) mais elle est jouée sur rythme assez original et rapide. Elle est suivie par un baïon qui est pas mal : Tchi-tchi-ou-tchi.

Sur le EP N°3 (toujours chez Philips) on trouve une bonne version du "tango arabe" Sidi-Bel-Abbes chanté à l’origine par Henri Genès. Par contre la version d’Istamboul est un peu décevante : ça swingue et c’est assez virtuose, mais pour moi ça ne sonne pas du tout rock and roll ou cha-cha comme d’autres qui sont bien meilleures (par Bob Azzam ou Staiffi et ses Mustafa’s, par exemple) ; ça offre quand même une alternative originale.

J'ai dû voir d’autres disques de Duleu en brocante, sans doute des 33tours des années 70, mais pas retenus car ça avait l’air plutôt mauvais. Le site Encyclopédisque signale un 45t qui daterait des 70’s et ne serait pas sur Philips, mais sur Musicora : La marche des chauves. Et en effet on en voit quelques autres de ce label ici ou là sur Internet.

Wikipedia signale qu’il était copain avec Georges Brassens et André Verchuren et que son prof d’accordéon fût le père de Charles Vestraete, autre illustre accordéoniste de sa génération. Mais contrairement à d’autres, Duleu a très peu touché au rock, il était né un peu trop tôt je pense.

Sur Youtube, on ne trouve de lui que du musette traditionnel, à part ce titre, Habanera, un beau boléro : https://www.youtube.com/watch?v=dsS29IIDDu0

Nick Wheeldon & The Living Paintings : Waiting For The Piano To Fall (Le Pop Club Records, 2024)

 

Ah, Nick Wheeldon ! Cet album est le plus récent d’une déjà longue série, Nick multipliant inlassablement les projets, année après année, sous divers noms de groupes qui brouillent un peu les cartes. Mais ne nous y trompons pas, il est très productif… et inventif ! En toute logique, comme pour Bob Marley ou d’autres, son nom personnel a fini par s’imposer pour qualifier ses projets (Bob Marley & The…, Nick Wheeldon & The…) mais il continue à jouer collectif, n’étant pas du tout du genre prétentieux. D’ailleurs on se demande comment il fait pour réunir quasiment chaque année un nouveau groupe d’excellents musiciens français, dont on n’avait pas forcément entendu parer avant et qui l’accompagnent admirablement sur ses albums et sur scène. C’est le cas avec les Living Paintings comme ça l’était avec les Demon Hosts l’année dernière, ou avant avec les Necessary Seprations, 39th & The Nortons ou encore avec Os Noctambulos, groupe qui vit toujours même si en stand-by ces derniers temps.

Nick est arrivé en France vers 2012 avec Coline Presley, une fan de garage-rock originaire du Mans, passée par Paris puis par Sheffield, où ils se rencontrèrent. Dès leur installation à Paris, ils fondent Os Noctambulos avec Baldo (batterie) et Valentin (lead guitare), tandis que Coline tient la basse et Nick la guitare rythmique et le chant. C’est du garage rock très sixties et mâtiné de surf music, excellent ! Ils seront plus tard rejoints par le talentueux Chris Bartlett à la pedal steel guitare et publieront plusieurs albums et quelques 45 tours (tous sur vinyl sauf un sur K7 mais qui sera réédité en 25cm).

Cependant, Nick diversifie rapidement les projets, avec 39th & The Nortons, excellent groupe, un peu plus orienté pop qu’Os Noctambulos et auquel participera Jaromil Sabor, un musicien de Bordeaux qui vaut le détour lui aussi. Puis avec The Necessary Separations, plus orienté country et folk (c’est là où il rencontre Chris Bartlett). Ces deux projets sont tout aussi intéressants que le premier. Parallèlement, Nick assure aussi, dès ses débuts en France, des sets en solos (guitare-chant), un exercice périlleux mais dont il se tire de tire de mieux en mieux, n’arrêtant pas de progresser dans son jeu de guitare comme dans son chant et avec une présence scénique indubitable !

D’où l’aboutissement vers des albums « solo » sous son propre nom, même si toujours accompagné, à partir de 2021 avec un premier album intitulé Communication problems, par « Nick Wheeldon & Friends », composé en un seul jour et enregistré avec divers amis pour chacun des 11 titres qui le composent. Mais d’autres projets émaillent son parcours, dont un album avec Alizon en 2018 (Nick & Alizon) ou encore avec Vincent Vauchez au sein de Domo Komo en 2020 (album Bugs) et sa participation au groupe Les Soucoupes Violentes, à la basse, pendant quelques années. Mais cette liste de collaborations est loin d’être exhaustive… Le mieux est de se reporter à sa page internet, très complète : https://nickwheeldon.com

Son album Gift en 2022 est particulièrement réussi et il obtient (entre autres articles de presse) les honneurs de Rock & Folk qui le désigne comme album du mois en 2022 (une rubrique habituellement réservée aux grosses pointures poussées par les maisons de disques et qui ne me parlent pas d’habitude ; mais pour une fois, j’adhère à 100% à leur choix).

Il est donc suivi cette année par Waiting For The Piano To Fall, un album moins évident et dans lequel j’ai plus de mal à entrer, mais toujours très beau, avec du piano, du chant en duo, plein d’harmonies et divers arrangements. Présentation à la Mécanique Ondulatoire (Paris, 11^e) vers mars 2024, avec un set un peu plus rock & roll que l’album, avec deux guitares et toujours ce chant intense et abrasif de Nick. Puis j’ai l’occasion de revoir le groupe début juillet, à L’International (Paris 11^e), sans le deuxième guitariste, mais avec un vrai piano acoustique qui sonne magnifiquement bastringue et un violoniste (présent sur l’album mais pas à la Mécanique). Le son global est excellent, les musiciens aussi, tous, pour une prestation intense et avec un son assez acoustique mais très plein, très chaleureux, de la haute voltige ! 

Du coup je réécoute plus attentivement l’album à la maison et s’en dégagent quelques morceaux particulièrement attachants, comme They’re not selling flowers around here anymore, ou surtout Oh ! Surprise, qui m’a interpellé dans sa version live à l’International. Des mélodies très efficaces et entêtantes ; c’est du travail très fin, de l’orfèvrerie (pour reprendre un cliché souvent appliqué à propos de Love ou des Zombies, mais c’est justifié) ! Idem pour Black Madonna, qui ouvre magnifiquement la face B. On est beaucoup plus dans la douceur et la nostalgie que sur les albums d’Os Noctambulos (plus garage rock) mais c’est tellement beau que ça passe terriblement bien (car le folk reste quand même un genre très casse-gueule, surtout en France – bon, ça tombe bien, Nick est anglais). Sur le morceau titre, Waiting For The Piano To Fall, encore une excellente partie de basse et des arrangements qui me font penser au 3ème album des Allah Las. Mais sinon, questions références, Nick me rappelle de temps en temps John Lennon ou Bob Dylan (excusez du peu) ! Evidement, Nick possède bien d’autres influences et les miennes sont assez limités, notamment dans le domaine de la pop indé et du folk ou de la country, mais bon, en tout cas, il soutient la comparaison avec quelques-uns des musiciens les plus illustres.

Et bien sûr, il est déjà sur le point de sortir encore un nouvel album, comme toujours ! On a du mal à le suivre mais c’est tant mieux ! Pourvu que ça dure - et c’est bien parti pour… Si vous le voyez annoncé en concert près de chez vous, ne le ratez pas, vous direz sans doute un jour à vos enfants : « j’y étais » !

 

 

Franklin Boukaka - L’immortel - The 60’s Rumba revolution in Congo (Frémeaux, 2023)

Très bonne compilation en 3 CD sur Franklin BOUKAKA, un musicien important de la République du Congo dans les années 60. Il est mort très jeune, tué lors d'un putsch militaire en 1972.

Le premier des 3 CD est consacré à son album le plus connu, Le Bucheron, enregistré et produit avec Manu Dibango en 1971. C'est pas mal mais ce n'est pas le meilleur.

Les deux autres CD recèlent des enregistrements plus anciens, de 1965 à 1970, notamment avec l'orchestre Cercul Jazz. Cela sonne très bien, un groove soul africain comme celui qu'on peut retrouver sur les compiles du Label Analog Africa. Plein de guitares, très mélodique. Le chant est souvent en congolais, mais aussi parfois en français,  comme sur l'excellent titre "Les Ecoliers" ou encore sur "Les Brazavilloises" (CD N° 2).

Le livret de ce coffret CD renseigne sur le parcours de Boukaka, mais explique aussi comment des proches et des passionnés ont pu retrouver divers 45tours ou enregistrements, conservés ici et là, afin de les sauver de l'oubli par cette édition, très complète (58 titres).

Un petit aperçu sonore à écouter ici (Pont sur le Congo) : 

Une chronique d'un 45t de cet artiste a été faite sur le site Vivonzeureux de l'ami Pol Dodu en 2015 :

https://vivonzeureux.blogspot.com/2015/04/franklin-boukaka-mbongi-ya-mbamba.html

Au Bonheur des dames : Mâche des Malabars (Philips, 1973)

J’ai trouvé récemment ce 45tours que je n’avais pas, des excellents Au Bonheur des Dames, dont j’aime le premier album 33t, Twist, depuis mon enfance. Mais dès l’écoute du 45tours, j’ai senti qu’il y avait un truc bizarre : ce n’était pas exactement la version dont j’avais l’habitude. J’ai alors réalisé que dans celle-ci, on mâche des Malabars alors que sur l’album, on mâche « de la gomme » ! Et un coup d’œil aux dates d’enregistrement, sur l’étiquette de mon 33t, confirme le truc : tous les titres ont été enregistrés en 1973, sauf le premier de la face A, Mâche de la gomme, qui date de 1974 ! Et c’est là que je découvre, sur Discogs, qu’il y a eu 2 pressages de l’album Twist, un en 1973 avec Mâche des Malabars et un en 1974 avec Mâche de la gomme !

On imagine facilement que l’entreprise des chewing-gum Malabar a dû exiger qu’on n’utilise pas le nom de leur marque déposée, ce qui a obligé les joyeux drilles à retourner au château d’Hérouville pour enregistrer une nouvelle version. Mais après tout c’est tant mieux, car je trouve que la phrase sonne mieux avec gomme, en une syllabe, au lieu de deux syllabes pour Malabar. Et en plus, ils ont dû refaire la musique qui est légèrement mieux, à la fois plus nerveuse et plus orchestrée.

Concernant la face B, elle contient Détonateur rock, autre excellente compo de Ramon Pipin, plus rock, alors que la face A est plus jazzy. Super paroles, marrantes et sonnant très bien. Même version que celle de l’album, cette fois. En tout cas l’album Twist mérite d’être écouté en entier, car il ne contient quasiment que des bons trucs, dont l’excellente reprise des Pingouins : Oh les filles ! qui fit un gros tube à l’époque. Cette chanson existe aussi en 45tours, avec une très bonne face B, plus sauvage : Ego Dames (titre également présent sur l’album). Ça devait être vraiment marrant de voir ce groupe à l’époque, une tribu improbable d’héritiers des Mothers of inventions et des Charlots, jouant du twist et rockabilly à contre-courant de l’époque, en pleine période de folk et rock progressif.

 Mache des malabars : vidéo